Exposición "Cuerpo, territorio de Identidad" Sara Tapia y Flor Aldea

A partir del próximo martes 1 de Marzo se podrá visitar en el Bardebás la exposición Cuerpo, territorio de Identidad de las artistas Sara Tapia y Flor Aldea.

"La Identidad se construye a partir de experiencias interpersonales que implican un compromiso psíquico, pero también corporal.
Nuestro cuerpo es el territorio donde depositamos la esencia de lo que somos: donde nos reconocemos como yo.
Vivir no es sino restituir al cuerpo su valor como el territorio de lo humano, de la aceptación, del cuidado, del respeto; apropiarnos de él como espacio de bienestar, de armonía, de crecimiento, pero sobre todo de libertad."

Proyecto Raíces, la mirada de Diego Su

Por Burgos Dijital

La mirada de Diego Su recorre instantes precisos, personajes relacionados con el mundo del arte, esculturas y materia en una exposición fotográfica donde el tiempo, el instante y la luz son los protagonistas. Raíces es un recorrido a modo de índice, por diversos géneros, a través de los trabajos del artista más conocidos que se entremezclan para generar exposiciones en diferentes locales y salas de la ciudad.

Las raíces al igual que las obras se expanden con ese doble sentido de origen y expansión, idea fundamental del proyecto. En esta exposición una mirada traviesa, divertida y al mismo tiempo poseedora de una verdad nos lleva hacia un inquietante trayecto de mundos conocidos y otros que no lo son tanto.

Susana Rioseras, profesora de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Burgos: 

"Diego Su nos traslada a través de sus miradas, hacia un sentir cercano y poético, agridulce y por ello más complejo a segunda, que a primera vista, que mira a los ojos, de frente, tanto en sus detalles, como en sus paisajes o rostros; y que nos invita a reflexionar sobre esos lugares que vivimos."

Los paisajes que conforman una parte de la exposición trasladan al espectador a un mundo desconocido donde los árboles sostienen el cielo y nos muestran un hosco camino de corteza iluminado por la luz fría del cielo nublado.

¿hacia dónde nos lleva? árboles que no son tales, puentes fallidos entre maleza y como respuesta la espesura de las nubes.

La exposición se podrá visitar hasta el día 31 de Marzo en el Bar Salero, un curioso trayecto fotográfico para mentes inquietas que podrán acompañar al café o a un vaso de cerveza.

Arte en San Pedro de la Fuente

Pintura de Miguel Moradillo - Un óleo que muestra una estampa nocturna en la rutina de la ciudad 

Por Burgos Dijital

Pintura del artista del barrio Revilla XII

Desde el día 18 de febrero, con motivo de la celebración de las tradicionales fiestas del barrio de San Pedro de la Fuente, y hasta el día 5 de marzo, el barrio tiene una cita con el arte. La Biblioteca «Miguel de Cervantes» alberga una exposición colectiva de artistas de la ciudad.

En la cita se encuentran obras pictóricas que, si bien en esta edición han coincidido en tamaños medios, sus estilos pictóricos y tendencias son tan diversas como las técnicas.

Esta pequeña "bienal de San Pedro de La Fuente", como la llaman cariñosamente las y los artistas y la gente del barrio, comprende un total de 21 obras de diferentes artistas de Burgos.

Dibujo de Mariangel González

El visitante puede observar la exposición como un viaje colorido  desde el tono matérico- informalista de las pinturas de Antonio Doñate a las pinceladas rápidas de óleo semifigurativas de Revilla XII. En contraste con lo gestual y el dripping, podemos encontrar las pinceladas precisas de Miguel Moradillo cuya materia pictórica conforma un paisaje urbano bajo la luz de la noche.
El dibujo también está presente en la muestra ya sea mediante el hilo cosido, como la técnica de Mila Labarga donde los hilos pasan a conformar los trazos y las formas, o bien con tramas como en el dibujo de Mariangel González, obra con una composición muy efectiva llena de innumerables personajes donde ninguno pasa inadvertido gracias a una efectiva y elegante colocación del fino tramado, una técnica donde la luz y el volumen del dibujo adquieren una importante relevancia. Por otro lado en otras obras al igual que la pintura el dibujo va tomando otro tipo de libertades para volverse caprichoso, extravagante y con cierto toque de comicidad como en la pintura homenaje de Rodrigo Trespaderne a Ignacio del Río a quien retrata como un pelele manteado por mujeres o el trazo libre y colorido de Pablo del Barco o Juan Mons en sus dibujos.

Momento de la Inauguración el pasado jueves

"El Profeta y la cabra" dibujo de Juan Mons

Para el espectador más reflexivo no pasarán inadvertidos los paisajes de tamaño medio que encontramos en las formas descriptivas de la acuarela, como la obra de José Marticorena, donde el color y el juego de luces y sombras consigue sumergir al espectador en lo más profundo del paisaje; sensación similar encontramos en algunas abstracciones de gran tamaño como en la pintura de Julia Rocano donde la técnica mixta configura un paisaje abstracto cuya intensidad y colorido puede llegar a convertirse en hipnótico.
 Del abstracto también podemos cambiar a la precisión técnica y composición artística de las fotografías de Ángel Herraiz donde el grano y la textura adquieren un especial protagonismo, o bien en la fotografía de Javier Contreras donde más allá del creativo uso del color nos encontramos ante el dilema del "cuadro dentro del cuadro", o en este caso la "fotografía dentro de la fotografía" así como una metáfora de la contemplación y el ser observado, el espectador acaba formando parte del discurso de la obra y curiosamente pudiendo llegarse a ver reflejado en el cristal sentirse un espectador más de la representación.

Acuarela de José Marticorena

La muestra se caracterizaría de totalmente pictórica si no fuese por la presencia de una pieza de Javier Moradillo, artista vinculado a las artes escénicas al que hace poco pudimos ver junto a otras y otros artistas en la obra teatral "La estrategia del caracol" en la Parrala, CSR de Gamonal y Casa de la cultura de Gamonal. En esta exposición Moradillo participa con una de sus creativas máscaras.
Y es que, desde la humilde opinión de este blog, se echa en falta la presencia en la muestra de algo de escultura como tuvo lugar antaño en sus antiguas ediciones y donde la materia escultórica enriqueció notablemente la exposición y los espacios de la sala.

Grabado de Sandra Rilova

Dentro de esta miscelánea, la muestra se completa con otras obras de las y los artistas Meri da´Picnic, Beatriz Santamaría, Igor Torres, Juan Mª Criado, Luis Alberto Portilla, Luis Waldo, Julio Herraiz, Marcos Mesa y Carlos Santamaría. 
Los interesados en el arte burgalés podrán ver la muestra hasta el día 5 de Marzo en la tercera planta de la Biblioteca Cervantes del Barrio de San Pedro de la Fuente que, junto a la degustación de un buen vino con una ración de cecina del barrio en alguna taberna de los alrededores, es cita obligada en este periodo festivo, y muy aconsejable para el paladar.

Obra de Sonia Rocano

Relacionado:

La Paleta: Criado Bartolomé, estética e imaginación sobre lienzo.

Gran éxito en el estreno de la obra "La estrategia del caracol" en Gamonal

El Hangar: Por el bulevar de los sueños rotos

Por Emilio Lizcano

La esencia que cautivó la construcción del Centro de Creación Musical de Burgos, EL Hangar, se encuentra desaparecida.

Por el bulevar de los sueños rotos pasan de largo los terremotos pero no la inoperancia y la desilusión. Da igual que esté en juego la poesía juvenil porque siempre hay quien quiere de la Luna su cara entera. La avaricia rompe los sueños fértiles de la creación y mella la ilusión a favor de la apariencia desconsolada.

El postureo amarga toda dulzura sacudiendo el interés por las dudas. El moderneo contemporáneo se alza como la planta trepadora que ahoga la dignidad y la propia inteligencia. Sobre todo aquella que anhela la libertad no aparentada. Qué bonita suena la música en boca del encantador de serpientes y qué pronto silencia la alegría y el esfuerzo de quien la escucha y se envenena.

Sería cruel y ridículo encontrar un chivo expiatorio al que cargar con todos los males que atañen a lo que a continuación voy a contaros pero … Nunca pensé tal cosa. Nunca he creído en semejante simplicidad. Hay quienes se empeñan en hacer creer que las cosas pasan porque sí. Yo creo que pasan porque los negocios existen. ¿Y por qué no decirlo libremente? ¡No me gustan! Tienden a resultar dañinos cuando atañen a la cosa pública.

¡Así es! Voy a hablaros de la defensa del medio público desde la actitud pública. Y de cómo la abstracción empresarial sustenta el objetivo primordial de ganar dinero.

Son muchas las voces que sacuden sus ondas afiladas hacia el entorno público como único continente de la corrupción. Yo creo que nos equivocamos en gran medida.

Prefiero mirar a todas las direcciones en el cruce de caminos para ver quién es el primero en acercarse con la mercancía peligrosa. Estoy convencido de que es en la mentalidad empresarial donde se acelera el simulacro destructor.

La corrupción es cotidiana en España porque no somos capaces de identificarla, de describirla y sólo la significamos con la justicia en la mano. Pero no hay justicia que pueda arreglar una carencia educativa y una pobreza estructural y clasista.

No más chivos expiatorios. Si queremos solucionar el problema de la dualidad público-privada no podemos seguir negando las causas radicales que nos llevan a aceptar estas fórmulas de gestión. Los sistemas basados en la gestión privada de infraestructuras públicas ya se han mostrado ineficaces en la mayoría de proyectos.

En muchos casos resultan más caros para las arcas públicas y en otros no consiguen desempeñar correctamente la utilidad pública para la que fueron concebidos.

Si seguimos construyendo infraestructuras vacías de contenido público estaremos consolidando inevitablemente una fractura sistémica que nos impedirá caminar firmemente como una sociedad conformada.

En el caso del Centro de Creación Musical de la ciudad de Burgos fueron tres (Junta de Castilla y León, Ayuntamiento de Burgos e Injuve) las instituciones públicas que unieron fuerzas para construirlo. Su finalidad fue la de fomentar la creación musical, en especial la realizada en el marco de la música joven.

El proyecto fue recibido con entusiasmo por gran parte de los músicos burgaleses por significar un claro paso adelante hacia la democratización de la cultura en la ciudad.

El centro respondía a las demandas del colectivo con un atractivo proyecto que incluía la creación de un sello discográfico así como la disposición de locales de ensayo y sala de conciertos. El centro estaba llamado a consolidar un plan regional que situaba a Burgos como la capital de la música joven en la Comunidad Autónoma.

Siete años después de su inauguración el Centro de Creación Musical “El Hangar” no ha satisfecho sus principales propósitos. No es un referente local, nacional, ni europeo como se intentó vender. Y no lo es porque no se ha posicionado como punto de encuentro para los creadores de la ciudad ni del país. No se han diseñado las actividades que merecía un Centro de Creación Musical, ni se han propiciado las sinergias necesarias para conformar una comunidad de creadores orgullosos de pertenecer a un centro vanguardista y con identidad.

“El Hangar” dejó de caminar en la dirección que se esperaba desde el minuto uno de su andadura. Todo el proyecto avalado y estudiado institucionalmente cayó en manos de una empresa privada a la que se adjudicó su gestión. Se prometió un centro de creación para los músicos de la ciudad y se financió con dinero público. Finalmente lo que tenemos es una sala de conciertos gestionada por una empresa que se lucra de ello. Habría que exigir la recuperación del plan original de formación, de cesión de espacios de ensayo y de grabación y diseñar programas de encuentro y lanzamiento de la música local mediante una gestión pública.

Un centro concebido para albergar las demandas de la nueva cultura no puede ser gestionado mediante las prácticas de la vieja industria cultural. Industria que parece incapaz de regenerarse y de hacer valer el potencial y la pluralidad del mercado que explota. Es una cuestión de actitud. Tenemos una industria cultural anquilosada, carente de discurso y de grandes ideas que cautiven de nuevo a la sociedad. El reto es demostrar que el trabajo que desempeñan los artistas contribuye en la sociedad de forma determinante para su propia concepción.

Por estos motivos sería imprescindible abordar con firmeza un gran evento nacional que significase el pistoletazo de salida para una nueva ley que dotase de dignidad e infraestructura a la cultura artística de este país. Una ley que generase un nuevo campo industrial basado en el respeto y la admiración hacia la pluralidad creadora en España. Una nueva seña de identidad llamada a revolucionar la industria cultural sacando de la clandestinidad a decenas de miles de artistas. Hablo de un gran proyecto perfectamente abordable dado el potencial humano del que disponemos.

No es posible que estemos situados a la cola en venta de discos en Europa, no podemos ser líderes en precariedad laboral, no podemos seguir creando sin rumbo ni soporte colectivo. Abramos los ojos a la multi-realidad y olvidémonos de la farándula. La creación no es y nunca ha sido faranduleo. Los datos hablan por si solos y está claro que hay que ponerse manos a la obra para liderar un proyecto que signifique todo un gran logro social para el país y un ejemplo internacional.

La canción, el teatro, la poesía, la novela, la pintura, todo el Arte… permanecerá activo con industria o sin industria. Quizás esta sea la causa de su abandono. Todo esto es parte de la vida. La creación se regenera, innova con nosotros, porque es nuestra cultura, son nuestras creaciones y las compartimos entre todos. Pero es una pena que esta riqueza se diluya y desparrame por la inexistencia de cauces y canales de difusión reconocidos.

A la vista queda que la sociedad recoja nuestro guante o nos deje a un lado, o al margen, o debajo del suelo… A nosotros siempre nos quedará la fuerza de vivir creando; Tristes o contentos…, pero nunca pasaremos la creación por el aro del dinero. Porque entonces todos habremos perdido una riqueza diferente, no cuantitativa, sino cualitativa.

Vuelvo al proyecto local que a muchos nos ilusionó en un primer momento y después nos rompió el corazón. Quiero lanzar un mensaje optimista: Creo que volver a construir un sueño roto no es imposible. Planificar una nueva gestión para el Centro de Creación Musical a través de las tres instituciones que lo hicieron posible sería un primer paso a dar. Dotarlo de una programación estable en cuanto a actividades simbióticas se refiere, poner la actitud pública a trabajar, a generar riqueza y sinergias entre los agentes protagonistas.

Son muchas las actividades que imagino susceptibles de realizarse allí, pero más serían las que pudieran surgir en un verdadero foro de la cultura donde por convicción se defendieran la gestión y la acción pública.

Arte y poder: El precio de estar en la cima

Obras de Henry Moore estuvieron varios días envueltas en logos bancarios en lo que realmente es una demostración de poder

Por Marcos Mesa

Nunca se supo, hasta que quedó inmortalizado en la gran película “El Padrino” de Francis Ford Coppola, qué papel tuvo la mafia italoamercicana en la carrera de destacados músicos o artistas. 
En la película, un cantante llamado Paul Fontaine aspira a hacerse con el papel protagonista de una película de cine, un musical. 
Solo les bastaron unos días de “argumentos convincentes” (y alguna cabeza de caballo cercenada) para convencer al inamovible productor para que diese ese papel protagonista al cantante. 
Todo el mundo sabía que ese músico en realidad era Frank Sinatra, cantante-actor que se hizo con el papel de “De aquí a la Eternidad” y más tarde con el respectivo Óscar de Hollywood por una actuación que no era tal pues solo tuvo que ser él mismo en todo el largometraje.

Años más tarde el director David Lynch plasmaría esa siniestra mano negra Hollywoodiense en su estrafalaria Mulholland Drive donde también nos contaría cómo han sido colocadas “a dedo” las actrices protagonistas en las películas de la mano de los que ostentan el poder económico (y no me refiero a Pablo Iglesias). 
Ya se sabe que quien ostenta un poder económico y decide o impone, en la mayoría de casos es gracias a actividades económicas delictivas o criminales bajo amparo legal (no estamos hablando de un ático ilegal, sino de algo más). 

La imposición y el silencio son los engranajes de un sistema vertical de unos pocos que en realidad viven para el control de la sociedad. 
A falta de la aplicación de los códigos de buenas prácticas que asociaciones artísticas han elaborado durante años se utiliza el farandulismo. Te llamo por teléfono o hablas personalmente conmigo saltándote el diálogo normalizado con los grupos de trabajo o con las instituciones. 

El arte es política con mayúsculas, como lo es también el fútbol y como últimamente gracias a los cambios de camisetas rojo-morado parece ser que es fútbol la política de izquierdas.

Qué decir también de los festivales artísticos solidarios, caritativos por guerras o terremotos en lugares remotos, esos festivales patrocinados por bancos que en realidad trafican con armamento y luego patrocinan de cara al público estas actividades para limpiar las conciencias de los pobres ciudadanos occidentales ante la impotencia de ver cómo su calidad de vida depende o está en relación directa con el sufrimiento de otros pueblos en el exterior (a los que nuestros gobiernos llevan la guerra o saquean sus recursos a precio de extorsión).

¿Sabían ustedes que Coca Cola posee en su capital geográfica, Atlanta, una de las mayores salas de conciertos de Estados Unidos y del mundo? ¿Qué harían ustedes si siendo músicos se les invitara a tocar en festival de tales características? ¿Cómo explicarían a los trabajadores de Coca Cola Fuenlabrada que gracias a su deterioro laboral y extorsión sufrida por la empresa ustedes han podido realizar el concierto de su vida en la mejor sala de Norteamérica? 

Eso si ya no tenemos en cuenta a los sindicalistas que Coca Cola ha mandado convencer con métodos más coercitivos (por no decir algo peor) en América del Sur.

Dibujo de la escultura del aeropuerto de Castellón

encargada por el imputado y condenado Carlos Fabra

¿Es que el arte no se puede financiar sin esclavismo y sufrimiento? ¿Cuál es el papel que deben tener los artistas frente a este tipo de hipocresías en los países occidentales? Pues hombre, podemos hacer como lo que hacen los políticos, me meto en un despacho y como no veo las consecuencias de lo que estoy manejando pues no pasa nada, o bien podemos ser consecuentes con lo que estas personas organizadas hacen en el mundo y rehusar éticamente a participar en despropósitos y parches, fotografías para el diario con políticos corruptos, exposiciones programadas con alcaldes y presidentes de dudosa credibilidad, fanfarrias e himnos varios, asignaciones de territorios porque yo lo valgo, homenajes al orden establecido, que no atienden la raíz de los problemas y tan solo sirven para anestesiarnos cada vez más, función asignada a la gran mayoría del arte en nuestros días.

"Tenía que ganarme la vida", se dirá uno para siempre.

Como dijo el artista (utilizado por los poderosos a cambio de dinero y vanguardia abstracta impuesta a golpe de "decreto" en detrimento de otras corrientes) Antoni Tápies meses antes de dejar este mundo en una entrevista: "Solo aspiro a que mi trabajo sea útil". 

Una más que desdichada reflexión para un artista que siempre se las había dado de filosófico cabalgando por la profundidad de la existencia (con infinidad de obras en la moncloa). Su frase póstuma lo dice todo. 

Relacionado:

Arte y poder.

¡Burgos como nunca se ha visto!

Por María Rejas Redondo. Historiadora del Arte

Pinturas de Luis Valpuesta en el Real Monasterio de San Agustín (hasta el 30 de septiembre 2015).

Rudolph Arnheim, en su libro ‘Arte y percepción visual’ afirma que “Todo aspecto debe su existencia a la luminosidad y al color”. Luis Valpuesta lo demuestra con cada una de las obras que este septiembre está exponiendo en el Real Monasterio de San Agustín en Burgos. 

Las formas y el color acompañan a la vida, acumulándose y enriqueciéndose, en las costumbres cotidianas, los paisajes, los objetos artesanales o industriales que nos rodean. En el caso de Valpuesta su vida se trazó con colores muy particulares; hijo de emigrantes españoles, nació en Caracas en 1952, entra en el dibujo y la pintura de manera autodidacta y esa afición infantil comienza a hacerse pública progresivamente. Primero formando parte del equipo de escenografía del colegio donde estudió, posteriormente como profesor de dibujo técnico y, más tarde, trabajando como diseñador gráfico. 

El lenguaje pictórico de Luis Valpuesta se ha forjado en esos paralelos del trópico; sus obras, realizadas en formatos y técnicas muy variadas, tienen ese pulso vital de realismo mágico. Destacan por la brillantez de la luz, la fuerza del color y la vibración de las formas. Sus temas subliman lo cotidiano y homenajean lo sencillo. 

En las propuestas pictóricas que nos hace se llega a percibir que su cuna en las artes plásticas la mecieron las gentes, las costumbres multiculturales, los paisajes, el color y la luz de su Venezuela natal. 
Así lo plasma en su primera gran obra en acrílicos, un mural para la parroquia salesiana de ‘La Dolorita’ de Caracas, situada en el barrio del mismo nombre. 
En ese mural las figuras centrales son una Virgen Dolorosa de piel oscura y estricto negro, acompañada de un Cristo resucitado de piel blanquísima y hábitos luminosos.

Con ese equipaje de luz y el brillo, Valpuesta llega a España en 1992 para descubrir, interpretar y plasmar, a su estilo, la tierra de sus mayores. Los acrílicos de Luis, debajo de su apariencia simple, juguetona y ocasionalmente transgresora, se apoyan sobre un sólido sustrato técnico. 

De Giotto (1266-1337) toma la frescura y sencillez al representar los edificios de su época. De los impresionistas sus técnicas para lograr el brillo y la máxima luminosidad a los colores. Del Pop-Art, de los años 50 y 60, su inspiración en temas cotidianos, pero ahora tratados con otros cánones muy alejados de las férreas normas academicistas y, en más de una ocasión, muy cercanos al comic. Valpuesta trasciende estas influencias reconocibles. 

La vibración que da a sus composiciones aportan la energía y el movimiento de la pincelada de los posimpresionistas y sus arriesgadas obras. Estar ante las obras de Luis nos lleva a evocar recuerdos que nos llaman al juego, a la alegría de vivir, y a la inocencia conectando así con los principios reivindicativos de la vanguardia. 

A su manera, Luis Valpuesta ha ido embebiendo, aprendiendo y, sobre todo, disfrutando hasta forjar un lenguaje propio, contundente, reconocible, minucioso que tiene una secuencia muy definida en su elaboración. Empieza con la elección del tema, saber ver; continua con el dibujo sinuoso y con un manejo especial de la perspectiva; finalmente, para llegar a contar esa historia con precisión, llena esos contornos con trazos de colores repletos de luz. 

Yo hago mías las palabras de Rudolf Arnheim (1904-2007), cuando estamos ante una obra de Luis. Con ellas “apreciamos no sólo una forma fantástica sino la particular calidad cromática de la misma”. Lo doy por cierto porque la selección adecuada de los colores es un problema clave de la producción plástica. Valpuesta mezcla y prepara cada uno de los colores que incorpora a sus obras; incluso, para dejar el testimonio de ello, en el reverso de cada cuadro, traza toda la escala cromática utilizada.

Luis Valpuesta conecta con esta nueva perspectiva de los clásicos, porque en las pinturas de Luis el color se vive; va a lo emocional, lo que sientes al ver sus cuadros se entiende desde las palabras de Eva Heller (1948-2008), en su obra Psicología del color en la que explica cómo actúan los colores sobre los sentimientos y la razón: “Quién nada sabe sobre los efectos universales y el simbolismo de los colores, jamás podrá emplearlos adecuadamente”. 
Luis lo sabe y por eso conecta con el espectador y sus cuadros conversan con el espectador.

Siguiendo esa vocación de diálogo, Luis ha desarrollado su vida profesional relacionada con la docencia, el marketing y las nuevas tecnologías. Valpuesta tiene obras en España, Estados Unidos, Italia, Suiza, Alemania, Holanda, Brasil, Chile, Colombia, Venezuela, Camboya, Filipinas, y Nueva Zelanda. 
Su obra gráfica ha servido en muchas ocasiones, para realizar campañas de formación o publicidad, de ámbito nacional. 

Y para cerrar el perfil de este autor, hay que mencionar que a partir de los cursos de escultura y vaciado de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid (2011 y 2015) ha incorporado algunas obras escultóricas de pequeño formato. 

Siguiendo a Samuel Beckett (1906-1989) cuando dijo: “Cada palabra es una innecesaria mancha en la oscuridad y la nada”, todas mis palabras sobre la obra de Luis se me antojan ahora innecesarias. 
Les invito a que construyan las suyas disfrutando sus obras, empapándose de su propuesta de color y luz. 
Obras de una cualidad poderosamente vivificadora y que, en los tiempos que vivimos, lejos de toda oscuridad son enérgicamente necesarias. 

Sobre el VIH-Sida desde las prácticas artísticas y actividades docentes

Por Eduardo Nabal

Entrevista a PEPE MIRALLES: ARTISTA VISUAL Y PROFESOR EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE VALENCIA. 

DESDE 1993 TRABAJA SOBRE EL VIH Y EL SIDA DESDE SUS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS Y EN SUS ACTIVIDADES DOCENTES.

-¿Cuál es la situación de las personas seropositivas en este contexto de salvajes recortes sanitarios?

Pepe Miralles: Todas las asociaciones con las que tengo contacto en Valencia se encuentran en una situación de precariedad (porno pobreza) absoluta. Cada vez es más difícil hacer proyectos con financiación pública e incluso encontrar fondos privados. Donde las asociaciones se han implicado especialmente es en crear estrategias que neutralicen el “Real Decreto-ley 16/2012” de medidas urgentes para garantizar la sostenibilidad del sistema nacional de salud, que impide dar asistencia a personas que no tengan en regla sus papeles. En ese decreto se habla de que es necesaria la austeridad en el gasto público como un objetivo inaplazable. Es decir que el abandono de las personas y la muerte como consecuencia de la austeridad es uno de los objetivos de este real decreto.

-¿Desde cuándo empiezas a trabajar utilizando el VIH/Sida como tema en tus trabajos artísticos y cuál es el motivo?

P.M: En 1991 empecé a introducir esta problemática en mis trabajos y actividades.  Al principio pensé que era un tema que debía tratar, pensé que tenía la obligación de hacerlo, fundamentalmente, para cuestionar la construcción ideológica que de esta enfermedad se estaba realizando.  Con el tiempo, en mi contexto afectivo, empezaron a aparecer personas que enfermaron y murieron. Pertenezco a una generación diezmada por esta enfermedad. Poco a poco mis experiencias vitales fueron acercándome al sida desde distintos aspectos: la muerte de mis amigos, la vinculación con asociaciones, la lectura de lo que se estaba escribiendo o más bien publicando sobre el tema, y todo ello fue generando un interés creciente hacia estas problemáticas.

-¿Crees que el colectivo LGTB conecta y valora este tipo de trabajos?

P.M.: Mis trabajos no han sido nunca muy “visibles” en ningún ámbito social ni cultural. No paseo mucho por el sistema del arte ni tampoco por el mercado. Antes de la aparición de las terapias que consiguieron reducir considerablemente  el nivel de mortalidad, cualquier trabajo sobre este tema, una pegada de carteles o una exposición, era recibido por las personas afectadas como una ayuda a la situación vital que estaban viviendo. Los gestos y las palabras que te decían mostraban un profundo agradecimiento. Estoy seguro que muchas de las personas vinculadas a las asociaciones LGTB han valorado siempre este tipo de trabajos. Otra cosa es que todas las personas homosexuales valoren este tipo de propuestas.

-¿Cómo definirías tus trabajos artísticos?. ¿Cuál es la relación que estableces entre el arte y el VIH/Sida?

P.M.: Teniendo en cuenta que utilizo el arte, sus materiales plásticos y visuales, como elementos que me ayudan a materializar mis investigaciones, mis trabajos han estado siempre centrados en establecer un enfrentamiento a la enfermedad y a su perfil iconográfico. Algunas de mis obras se han basado en el compromiso con la prevención y con la dignificación de l@s enferm@s. Desde 2005 estoy realizando una serie de proyectos, todos denominados "Proyecto Sida Social", en los que uno de los objetivos fundamentales es establecer vinculaciones entre distintos agentes, tanto culturales, como sociales, universitarios, colectivos, de forma que se generen dispositivos de discusión y reflexión sobre las problemáticas que el VIH/Sida sigue presentando. Creo que definiría mis trabajos como posibilidades reales de encuentro, que no se escenifica y se espera que se produzca en una sala de exposiciones, sino que ocurren a partir de un proceso largo de conversaciones e intercambios fuera del ámbito expositivo artístico.

-Como artista, ¿qué visión tienes del colectivo LGTB?

P.M: Creo que en la actualidad estamos inmersos en un neoliberalismo gay de nefastas consecuencias.  Una de las cuestiones que más me preocupa es la homofobia del propio colectivo gay. No hay más que mirar las descripciones en las páginas de contacto: una gran parte de éstas valoran exacerbadamente la hipermasculinidad y rechazan la pluma o cualquier tipo de “mal rollo”, es decir, las subjetividades.  Nos estamos diluyendo en la normalidad heterocentrada a través de los códigos de género. Cualquier tipo de diferencia es vista con rechazo por el “buen chico gay”. Queremos ser normales y esta necesidad impuesta está produciendo una gran pérdida de especies diferentes. Pero la verdad es que no sé muy bien qué significa realmente “colectivo LGTB”.

-¿Crees que los hombres que hacen sexo con hombres están concienciados y hacen sexo seguro?

P.M.: Esta pregunta puede contestarse viendo los últimos estudios sobre infecciones. Los últimos estudios evidencian que los hombres que hacen sexo con hombres están en la cabeza de las nuevas infecciones. Son recortes ideológicos y socialmente nefastos.

-¿Y cuáles crees que son las causas de esta situación?

P.M.: Pues creo que las causas son múltiples. Una de ellas sería la percepción de que se trata de una enfermedad de personas mayores, de tiempos atrás. Otra, que los jóvenes no han vivido la época más dura de la enfermedad, no han visto morir a sus parejas ni a sus amigos; y la otra tendría que ver con la información que se tiene de lo que se considera la cronificación de la enfermedad. Para los más mayores el cansancio en el uso del preservativo puede ser una de las causas por las que se está bajando la guardia. Me parece muy bien que alguien, conscientemente, no quiera utilizar preservativo. ¿Pero cuántos no lo utilizan como consecuencia de unas percepciones erróneas sobre la enfermedad y sus consecuencias?

-Háblanos del proyecto de la Cátedra Arte y Enfermedades.

P.M.: Es un proyecto muy importante para la Universidad Politécnica de Valencia y para todo el equipo que trabaja en las diversas actividades que realizamos. Estamos estudiando metodologías de trabajo entre estudiantes y pacientes partiendo de la idea de “estética dialógica”. Además uno de los proyectos más importantes es una cartografía de los trabajos artísticos que se han ocupado de diversas enfermedades, todo tipo de enfermedades, que estará al servicio de investigadores que quieran continuar aportando conocimiento a estas cuestiones.

Entrevista a Jorge Luis Peralta sobre el libro colectivo "Masculinidades en la transición" (jorge L.Peralta y Rafael Mérida eds) Editorial EGALES; Punto G:

Por Eduardo Nabal

Jorge Luis Peralta es becario postdoctoral de CONICET (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas) en la Universidad de La Plata (Argentina) y miembro del proyecto “Representaciones culturales de las minorías sexuales en España (1970-1995)”, dirigido por Rafael M. Mérida Jiménez, en el marco del cual se ha gestado Las masculinidades en la Transición. Próximamente, además, se publicará en Argentina otro volumen editado por Rafael Mérida y por mí mismo: Memorias, identidades y experiencias trans. (In)visibilidades entre Argentina y España.

-Hola: "Masculinidades en la transición" es una apuesta valiente por parte de una editorial y un país que no vive buenos momentos para la cultura, la lectura, el pensamiento sea o no LGTB. Como superasteis el temor a dirigiros a un público  todavía limitado.

-Con este libro se inicia una nueva colección de estudios universitarios LGTB en editorial Egales, que ojalá vaya incorporando nuevos títulos. Es cierto que es un momento complicado para la cultura en general, pero aspiramos a llegar al público que esté interesado en estos temas con una propuesta que, esperamos, resulte atractiva, por su enfoque y por la variedad de las diferentes contribuciones de los y las autores/as. 

-Masculinidades y transición, dos cosas muy interesantes de unir pero ambas han sido vistas (al menos desde algunos frentes) como ficciones o incluso fraudes. ¿Es vuestra intención entrar en el campo de la paradoja o dar una visión interdisciplinar?

-No hay intención de polemizar sino, como bien señalas, de ofrecer una visión interdisciplinar y lo más variada posible. “Masculinidades en la Transición”, como explica Dieter Ingenschay en las páginas introductorias, alude tanto a ese periodo histórico concreto de la historia española (más allá de los debates en torno a su delimitación exacta, o sus puntos débiles), como al hecho de que las identidades de género, en este caso las “masculinidades”, están en un proceso continuo de transformación continua: sería imposible fijarlas a un significado estable, definitivo. Y se habla de “masculinidades” así, en plural, para enfatizar que no hay un patrón unívoco o que funcione de la misma manera para todas las personas. 

-Gracia Trujillo que habla de lo todavía mal conocida "Masculinidad femenina".  Volvemos a encontrar análisis de las obras de Lucia Extebarria, Isabel Franc, y sobre el libro "La insensata geografía del amor". Parece que la cultura lésbica y trans se todavía encuentre algo más limitada o invisibilizada, dependiendo del espacio geopolítico.  Lo que plantea desafíos teóricos y prácticos que llevan a terrenos interesantes pero pantanosos. ¿Como os planteasteis la colaboración?

-Una de las propuestas del volumen es rechazar la interpretación unívoca del concepto “masculinidad” (asociado solo a hombres biológicos) y ampliarlo a lesbianas y trans, según queda patente en diversos capítulos, implícita y explícitamente. El libro es fruto de un grupo de investigación financiado por el Ministerio de Economía y Competitividad entre 2012 y 2014, en el que participaron investigadorxs españolxs y de otros países; cada unx aportó desde su campo específico y creo que ese intercambio enriquece las propuestas y trabajos que presentamos conjuntamente. A finales de este año aparecerá en Argentina otro libro que hemos preparado y que reúne, precisamente, estudios trans. 

-En el prólogo se habla del movimiento LGTB español como ligado a la izquierda revolucionaria, lo que llevó a cosas positivas (que hoy se están rescatando) pero también a una negación de lo identitario que parecía disolvernos en otras luchas, siendo "los últimos de la fila" ¿Cómo lo veis vosotros?

La discusión académica sobre este tema, desde una perspectiva histórica o sociológica, está empezando a ofrecer nuevas respuestas, de la mano de investigaciones recientes como las firmadas por Dieter Ingenschay, Geoffroy Huard y Kerman Calvo, de la USAL. Lo más importante es que durante las décadas de los 70 y 80 convivieron muy diversas realidades, que todas ellas no han sido igualmente analizadas y que este volumen arroja nuevas luces sobre aquellas luchas e identidades.

-Algunos trabajos de la Transición son muy interesantes porque reflejan obras o artistas que hoy no podrían o querrían expresar lo mismo ni de la misma forma. No obstante, en eso se nos han adelantado hispanistas en el mundo anglosajón. como Paul Julian Smith ¿Qué ocurre ahora en las universidades españolas y qué puede ocurrir?

-La universidad española ha sido una de las más renuentes a la incorporación de perspectivas LGTB. Si bien él número de publicaciones ha ido aumentando con los años, todavía queda un largo camino por recorrer. Actualmente son pocos los espacios académicos destinados a estas investigaciones –por ejemplo, el Centre Dona i Literatura de la UB o el grupo Cuerpo y textualidad de la UAB. Es significativo que muchxs de los investigadorxs que se ocupan de estos temas residan, de hecho, en otros países, como ocurre con varixs de lxs autorxs de nuestro volumen. Lo que puede ocurrir, no lo sabemos, porque es un momento de incertidumbre para las Humanidades en general. Es importante que los espacios que ya existen se conserven; sería deseable, además, que surjan otros nuevos. 

-¿Creéis que si algunos de los escritores/as o artistas/cineastas de los que habláis hubieran visto el presente en el estado español se hubieran echado a llorar o se hubieran llenado de gozo?

-Es imposible saber cuál hubiera sido la reacción de esxs escritorxs y artistas. Vivieron en una época muy diferente, en la que hubieran resultado inconcebibles muchos de los logros que se han alcanzado, por ejemplo, en materia de derechos para las minorías sexuales. Las comparaciones entre épocas siempre resultan enojosas; se puede caer  también en la tentación de “romantizar” o idealizar el pasado. Por otra parte, algunos de los creadores analizados en el volumen están vivos (caso de Ventura Pons, por ejemplo) y sabemos cuáles son sus apuestas en torno a los derechos civiles.

-Aún hoy hay que explicar que hablar de la sexualidad de los creadores en una sociedad  y una academia heterocentrada es todo menos frívolo o banal. He leído estudios feministas rabiosamente anti-queer y también discursos académicos sobre las masculinidades con cierto tufillo heterocentrado o rabiosamente anti-queer ¿Como situáis vuestro libro dentro y fuera de esas tensiones?

-Nuestro libro reúne colaboraciones de diversxs autorxs y como tal, ofrece miradas muy heterogéneas, de allí, como decía antes, que se haya insistido en el plural: “masculinidades”. No se trata, creo, de situarse contra o a favor de lo “queer”, sino, en el caso concreto de este libro, de abordar la problemática de la masculinidad a través de sus diferentes representaciones en un contexto histórico y sociocultural específico. La teoría queer aporta importantes herramientas teóricas y metodológicas, que se combinan con otras si es necesario, o que incluso se debaten y cuestionan, pero que sin duda resultan imprescindibles si queremos pensar las identidades, los géneros y las sexualidades más allá de los binarismos y de la lógica heteronormativa.

-La historia se escribe y reescribe de continuo. Unos libros pueden contradecirse con otros. En el estado español ha sido muy complejo y lo sigue siendo. Algunos personajes ya míticos que mencionáis como Nazario, Ocaña, Eloy de la Iglesia, Jesús Garay etc. fueron muy reales, y también muy contradictorios y controvertidos. ¿Creéis que la consciencia de estar haciendo algo de mayor o menor valor es siempre posterior?

-Es difícil responder por otras personas. ¿Sabía Ocaña que lo que estaba haciendo iba a tener la trascendencia que llegó a tener? Muy probablemente no. Vivió su época, hizo lo que en ese momento quiso y pudo hacer y hoy, retrospectivamente, le asignamos a su persona y a su obra una significación que deriva de importantes avances sociales y también en el ámbito de los movimientos y estudios LGTB. 

- A algunos la experiencia, la trayectoria (además del enchufismo oportunista) nos ha alejado de la Universidad, o al revés, vemos en algunos estudios algo de repetitivo o, en ocasiones,  elitista. Aunque vuestro libro es bastante accesible ¿Hay campos que os hubiera gustado tocar que no habéis podido o sabido hacer del todo?

-La tensión entre la “universidad” y la “calle” resulta, en cierta forma, inevitable. Pero no son ámbitos incompatibles y, de hecho, muchxs académicos desarrollan también una importante labor en el activismo, es el caso, por ejemplo, de Gracia Trujillo, que colabora en nuestro libro. Por supuesto que es importante seguir acortando las distancias. Las masculinidades en la Transición es obra de un esfuerzo conjunto en el que cada autor/a ha hecho un aporte desde el campo en el que se desempeña, ya sean la sociología, los estudios literarios o los estudios sobre cine. Nos hubiera gustado, quizá, una mayor presencia de estudios sobre masculinidades femeninas o trans, pero este volumen solo pretende ofrecer una primera aproximación que, seguramente, abrirá las puertas a futuros trabajos.

- Algunos dicen que falta un espacio creativo (como un laboratorio cerrado y a la vez abierto) y sobra teoría pero hay teoría que puede ser muy creativa según se desarrolle ¿Como veis 

vosotros/as esa brecha?

No creo en la idea de la teoría por un lado y lo “creativo” por otro. Hay una necesaria retroalimentación entre los dos campos. Teoría, etimológicamente, significa “contemplar”, “especular”, y esa contemplación o especulación, cuanto más lúdica y creativa sea, mejor. Por otro lado, las creaciones artísticas también contienen sus propias “teorías”, como ha señalado Didier Eribon respecto de la literatura: vale la pena, por lo tanto, indagar cómo se imbrican, complementan o discuten entre sí las teorías “puras” y las teorías “artísticas”: un diálogo que sin duda tiene que ser muy fructífero.